“Naturaleza Muerta con Naranjas en Copa”, Ana Lamuño Vázquez (1949), años 80-90 del siglo XX Pinturas

Óleo sobre panel de los años 80-90 del siglo XX aprox., Ana Lamuño Vázquez (1949), de dimensiones 41 x 35 cm, 51 x 44 cm (marco).

En esta obra podemos observar una composición estructurada en torno a un eje central marcado por la presencia de una copa elevada que sostiene un conjunto de naranjas, dispuestas de forma equilibrada y con una ligera asimetría que aporta naturalidad. La escena se desarrolla sobre una superficie cubierta por telas de pliegues amplios y ondulantes que generan un ritmo visual envolvente, actuando como soporte dinámico para el bodegón. La inclusión de algunas piezas fuera de la copa rompe la rigidez compositiva y aporta profundidad, creando un diálogo entre los distintos planos del espacio. La presencia de la cerámica, integrada sobre el mantel, refuerza la estructura del conjunto y contribuye a articular una escena de carácter doméstico elevada a una dimensión plástica más compleja.

La obra se inscribe dentro de la tradición de la naturaleza muerta reinterpretada desde una figuración contemporánea de sensibilidad postimpresionista y acentos expresionistas. No se trata de una representación estrictamente descriptiva, sino de una interpretación plástica donde la forma, la luz y la materia adquieren protagonismo sobre la fidelidad objetiva, otorgando a la escena una marcada identidad personal.

El estilo se caracteriza por una síntesis formal que simplifica los volúmenes sin perder rotundidad, dotando a los elementos de una presencia casi escultórica. Las naranjas se construyen como masas sólidas, modeladas mediante el color y la luz, donde los brillos destacan con intensidad y generan un efecto táctil que acentúa su corporeidad. Esta intención volumétrica se extiende también a los pliegues del mantel, cuyos relieves están tratados con una pincelada que sugiere peso, caída y densidad, así como a la propia cerámica, cuya superficie recoge reflejos y matices que refuerzan su carácter matérico. Todo ello configura una pintura que no solo representa, sino que construye los objetos en el espacio con una clara voluntad plástica.

La técnica al óleo se manifiesta en una aplicación directa y matérica del pigmento, especialmente visible en la superficie de los frutos, donde las pinceladas siguen su curvatura y describen las texturas, volúmenes y reflejos con libertad y energía. Se aprecian arrastres de pincel y pequeñas acumulaciones de materia que enriquecen la superficie pictórica, mientras que en las zonas de fondo y en las telas la pintura se vuelve más fundida, permitiendo transiciones suaves que equilibran el conjunto. Este contraste entre densidad y ligereza refuerza la sensación de volumen y profundidad.

El cromatismo gira en torno a una gama cálida y envolvente, dominada por los naranjas intensos, tierras y dorados de los frutos, cuyos brillos actúan como focos lumínicos dentro de la composición. Estos tonos encuentran su contrapunto en los verdes azulados, ocres, cremas y matices grisáceos de las telas y el fondo, estableciendo un atractivo juego de temperaturas cromáticas. La interacción entre luz y color no solo define las formas, sino que potencia la expresividad del conjunto y aporta una atmósfera íntima y refinada.

Lamuño Vázquez (1949), artista nacida en La Felguera, Asturias, cuya formación se inicia en la Escuela de Artes y Oficios de La Coruña —donde obtuvo el Primer Premio en un concurso de la Cámara de Comercio— y continúa en las Facultades de Bellas Artes de San Carlos (Valencia) y San Fernando (Madrid). Desde sus comienzos, en torno a 1965, mostró una clara inclinación hacia la experimentación material, incorporando a su obra elementos poco convencionales como papeles, arpillera, cuerdas o cartón, en una búsqueda por trascender el plano pictórico hacia planteamientos cercanos a lo tridimensional. Su evolución estuvo marcada por el contacto con el crítico Vicente Aguilera Cerní y su vinculación con la Galería Temps de Valencia, así como por la influencia de artistas del Grupo El Paso —Manolo Millares, Juana Francés, Antoni Tàpies o Luis Feito—, consolidando un lenguaje propio cercano a la «esculpintura», donde la materia, la forma y el color adquieren una fuerza expresiva fundamental. Su obra ha sido calificada como expresionista tanto en su vertiente abstracta como figurativa, destacando por el uso de contrastes cromáticos intensos, la potencia del gesto y un tratamiento matérico capaz de transformar materiales humildes en elementos de gran carga simbólica y estética. A lo largo de su trayectoria demostró una notable versatilidad, abordando géneros como el retrato, la naturaleza muerta y el paisaje, siempre manteniendo un estilo reconocible y profundamente personal.

Exposiciones: 1974 Galería Benedet (Oviedo); 1975 Galería Temps (Valencia); 1976 exposición itinerante por Andalucía y Francia; 1978 Centro Cultural de la Villa (Madrid); 1980 Galería Orfila (Madrid); 1981 Galería Librería Moriarti (Madrid); 1982 Sala Conde Duque (Madrid); 1979–82 exposición permanente en Galería Tita a Cart y Cre (Madrid); 1984 Casa de la Cultura de Denia (Alicante); 1985 Galería Klauss (Altea); 1989 Galería Obelisco (A Coruña, individual); 1990 Ayuntamiento de Ruidera (Ciudad Real, individual); 1992 Galería Alameda (Vigo); 1993–94 Ayuntamiento de Albacete (individual) y Chinchilla (colectiva); 1995 II Muestra de Mujeres Artistas de Castilla-La Mancha; 1999 Casino Atlántico (A Coruña, individual); 2000 Antigüedades Gerión (A Coruña, individual); 2002 Mostra itinerante de pintores galegos y exposición en la Asociación Nacional de Artistas Plásticos de la UNESCO; 2003 Galería de Papel–4 Ingletes y Galería Lorenzo (Santiago); 2004 Galería La Campana y muestra itinerante Galicia Arte; 2006 Feria de Arte de Lille (Francia); 2007 X Certamen Isaac Díaz Pardo; 2009 Nova Rúa Arte (Lugo, obra permanente).